sábado, 25 de marzo de 2017


BRIMSTONE


Título original: Brimstone
Año:2016
País: Países Bajos
Dirección: Martin Koolhoven
Guión: Martin Koolhoven
Reparto: Guy Pierce, Dakota Fanning, Carice Van Houten, Kit Harrington, Paul Anderson, Emilia Jones.

Sin saber nada de ella, llegando de rebote hasta su trailer en youtube al ir saltando entre unas cosas y otras. Así es como ayer me topé con Brimstone y pese a tener varias películas en cola la antepuse impelido por fuerzas oscuras. Y eso que durante los últimos tiempos soy muy reacio a las películas que llegan a las dos horas y media, las cuales reservo para viernes o sábados y que incluso aparto en ocasiones al preferir visionar dos cortas seguidas.
Una madre de familia, un incansable y diabólico predicador y una historia de cómo y porqué, desgranada en cuatro capítulos de título bíblico que optan, de forma para nada confusa o caótica, por la ruptura temporal.   


Estamos ante un western atípico, pero no por ser holandés, sino porque al igual que muchas películas modernas parecerían encajar a la perfección en un antiguo western, Brimstone bien podría estar ambientada en un marco actual y salvo por un algunos pequeños de detalles arraigados al género ser algo que nada tuviese que ver con un western. Es una historia sobre una malsana obsesión y la vileza que va implícita en ella, cargada sobre los hombros del predicador al que encarna uno de los actores favoritos de quién escribe estas líneas, Guy Pierce. Actor que conviene recordar protagonizó dos verdaderos peliculones en un terrero similar a este, el weird western Revenous, comentado en este blog, y el western australiano The Proposition, que me parece poco menos que una obra maestra. En esta ocasión impregna el ambiente con una presencia maléfica que no por nada otorga al film el nombre de Brimstone, que se traduce como Azufre. 


Y Dakota Fanning, que decir de esta chica. Que tenía un talento innato ya lo supimos cuando siendo tan pequeña interpretó a la hija de Sean Penn en Yo Soy Sam, el retrasado que se fue de vacio. Los últimos años parece haber sido regalada a un segundo plano por su hermana pequeña, Elle, que sin ser en absoluto una mala actriz no tiene ni por asomo las tablas de Dakota. 
Pero si Pierce se come la pantalla esta chica no es menos, dotando de personalidad a su sufrido personaje, una niña convertida en mujer a la fuerza que carece de lengua y se comunica por señas con su hija pequeña, quien actúa como su voz siendo una extensión de ella misma. Tenemos también en el reparto a Kit Harrington, famoso por su papel del sosaínas John Nieve en Juego De Tronos, a Carice Van Houten, Melisandre en la misma serie, hermosa como ella sola y esposa en la vida real de Guy Pierce y completando en un pequeño papel a Paul Anderson, el desequilibrado Arthur en Peaky Blinders. Todos ellos tienen para suerte o desdicha de sus personajes sus momentos, y pese a que he leído que algunos consideran fallida la estructura, o que su duración se excede, no puedo dejar de recomendar una de las mejores y mas ásperas películas que visto en mucho tiempo. 

Una joya de obligada visión.


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miércoles, 18 de enero de 2017


BEYOND THE GATES


Título Original: Beyond The Gates
Año: 2016
País: Estados Unidos
Dirección: Jackson Stewart
Guión: Jackson Stewart y Stephen Scarlata
Reparto: Graham Skipper, Chse Williamson, Brea Grant, Barbara Crampton, Henry LeBlanc, Justin Welborn, Jesse Merlin. 

Finiquitando películas del año pasado que tenía sin ver, bien por que no estaban disponibles o se me habían pasado, el último visionado ha sido para Beyond The Gates, de la que esperaba poco o nada pese a que por varios motivos era de obligada visión. Uno de sus motivos era su argumento, que pasaré a comentar brevemente y me retrotrae a épocas felices y la otra que una película de terror con Barbara Crampton, que ademas aquí produce, siempre hay que verla, mas ahora que parece estar volviendo y por supuesto al género en el que un día fue una personalidad destacada. 


Lo ochenta no han vuelto, ni tampoco los noventa o cualquier otra década, y mal que nos pese ese factor nostalgia que muchas veces buscamos lleva que el tiro salga por la culata. Entre todo este tipo de productos  pocos son los que valen la pena tratando de ser hijos de otro tiempo, lo que ha hecho mas mal que bien al panorama artístico en todos sus ámbitos pero que al menos, por citar algo bueno, ha ayudado a la proliferación del synthwave. Comento esto porque curado ya de espantos y avezado en el arte de sortear trampas mentiría si dijese que su historia desarrollada entre estanterías de un viejo videoclub y con ese póster retro como colofón no son un imán para que a muchos de nosotros no logre por lo menos llamarnos la atención. 


Beyond The Gates gira en torno a un juego de mesa VCR del mismo nombre, que para los despistados fueron juegos de mesa que en sus versiones mas tempranas iban con una cinta de vídeo en la que aparecía el anfitrión de la trama hablándote y básicamente cagándose en tu estampa o tu en la suya. Yo en los noventa, siendo pequeño, jugué a Atmosfear, mítico donde los haya pero lo cierto es que no probé otros y tampoco tengo entendido que fuesen especialmente buenos.
El caso es que dicho Beyond The Gates cae en manos de dos distanciados hermanos que se reúnen tras varios años para sacar la mierda del viejo videoclub de su padre, que ha desaparecido en misteriosas circunstancias y ya se le da por muerto. Hasta ahí puedo leer.


Por un lado tenemos todo ese componente retro basado en los VCR en un marco de sistemas obsoletos como teles de tubo o aparatos VHS que apela a la nostalgia de forma indudable y por otro un componente sobrenatural que por así decirlo sería un Jumanji de terror salpicado de sangre. 
Además de la mencionada Barbara Crampton, a la que todos adoramos, tenemos como únicos rostros distinguibles a Chase Williamson, que no es que sea un actor famoso pero si John Dies At The End no es ya una pequeña obra de culto que baje Dios y lo vea, y Justin Welborn en un papel secundario, que vuelve a coincidir con Williamson tras Siren, spin off de la trilogía V/H/S en cuya tercera parte interpretaba al mago Dante y cuya faz de kinki malhumorado ya ha paseado en ese tipo de papales en un buen puñado de películas de terror  (La paliza que le mete a unos zombies en Dance Of The Dead es un descojone). 

No estamos ante la panacea pero si ante un muy decente film de bajo presupuesto e intenciones claras que no se queda solo intenciones y le sale bien la jugada, que te envuelve durante el corto trayecto que recorre empezando y terminando con Outrun With The Dead, una delicia de tema que brinda el músico italiano de synth Vincenzo Salvia. Agradará a los que como yo suelen devorar cine de este género sin remilgos. Abstenerse sibaritas. 

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miércoles, 4 de enero de 2017


PERRIER'S BOUNTY


Título Original: Perrier's Bounty
Año: 2009
País: Irlanda
Dirección: Ian Fitzgibbon
Guión: Mark O'Rowe
Reparto: Cillian Murphy, Jodie Whittaker, Jim Broadbent, Brendan Gleeson, Liam Cunningham, Domhnall Gleeson. Gabriel Byrne. 

Manda huevos que con lo que me gustan los buenos eurothrillers criminales no es que no hubiera visto esta película sino que hasta ayer ni sabia de su existencia pese a contar con un reparto de lo mas interesante.
Cautiva de Perrier's Bounty el mundillo del hampa europeo, que se estila cuando hace gala de su identidad inherente muy distinto al americano. Recuerda en ese aspecto tan destacado a thrillers del continente tales como Lock, Stock and Two Smoking Barrels, Snatch, RocknRolla o Revolver, es decir la vena criminal de Guy Ritchie, así como a Layer Cake, Filth, Wild Bill, Harry Brown o In Bruges por citar alguna mas. Y es a In Bruges a la que sin llegar a igualarla en cuanto a calidad mas se le parece. Y no solo porque en ambas esté el bueno de Brendan Gleeson, quien comparte cartel en la que hoy comento con su hijo Domhnall, actor en alza últimamente.  


A Cillian Murphy la mayoría de gente le tiene por un buen actor, un tipo popular que siempre cumple y que mas o menos lo ha hecho ya todo, pero realmente y analizándolo con detenimiento es uno de los mejores actores que tenemos actualmente tal y como puede atestiguarse en en la serie que va camino de convertirse en una obra maestra Peaky Blinders, donde no parece el. Se transforma totalmente, engullendo la esencia del personaje de Tommy Shelby y se convirtiéndose en el. Era el papel, con mayúsculas, que tenía que hacer para que al dar marcha atrás y poner los ojos sobre el en un papel como este, el de un perdedor llamado Michael que recorre las calles de alguna ciudad irlandesa ahogado en movidas chungas porque le debe mil euros de mierda a un gangster local mientras la pelota crece y crece. 


Se junta el drama con momentos hilarantes de humor negro que vienen en su mayoría propiciados por el personaje de Jim Broadbent, el padre del protagonista y que sin desvelar nada es situación descacharrante tras situación descacharrante. Realmente son un cuadro, Michael hasta arriba de mierda y evitando que le partan las piernas mientras carga con su vecina suicida, encarnada por la expresiva y guapa Jodie Witthaker de Attack The Block y el colgao de su padre, siempre en busca de perico o consumiendo café a bloque. También es un placer siempre tener pululando a Liam Cunningham y aunque sea a modo de voz en off al gran Gabriel Byrne, que con dos aportaciones, una al principio  para introducirnos en el meollo y otra al final esclareciendo asuntos le da mas sabor a este potaje.
No solo es desconocida teniendo en cuenta el reparto que gasta, también está extremadamente infravalorada por lo que veo. Y no es buena, es muy buena.


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domingo, 1 de enero de 2017


SCARE CAMPAIGN


Título Original: Scare Campaign
Año: 2016
País: Australia
Dirección: Cameron y Colin Cairnes
Guión: Cameron y Colin Cairnes
Reparto: Meegan Warner, Ian Meadows, Olivia DeJonge, Josh Quorg Tart, Patrick Harvey.

Esta nueva propuesta australiana nos presenta algo bastante novedoso pese a que alguna vez se nos ha pasado por la cabeza. Habla de los programas de bromas con cámara oculta enfocados al terror, como por ejemplo el famoso Scare Tactics, y sobre que ocurriría si una de las victimas se pone mas nerviosa de la cuenta, llegando a ser peligrosa, y las consecuencias que esto podría acarrear. Novedoso porque no se ha tratado en el cine, no tan novedoso porque todos hemos pensado sobre ello, mas en estos tiempos donde gracias a youtube esta tendencia se ha extendido como la peste y bromistas disfrazados entre otras cosas de payasos se han jugado varias veces un balazo en medio de la frente.


Pero esto es solo el punto de partida de un film cuya mecánica es, o pretende ser, funcionar mediante giros argumentales uno tras otro, algo que siempre implica cierto riesgo y requiere de bastante maña como guionista.
En mi opinión en este segundo film después de 100 Bloody Acres, a este par de hermanos no les sale la jugada como pretendían, pero tampoco digo que les haya salido mal sino distinto. Esos giros que se ven venir a la legua no llegan a ofender, pero el punto es que al fin y al cabo se trata de un slasher y funciona como tal a las mil maravillas, mas teniendo en cuenta que se trata de una película muy sencilla y no va precisamente holgada en cuanto a presupuesto. 


Es agilidad pura, a lo que hay que sumarle una escasísima duración de una hora y cuarto que hace que se resienta menos aun, posee una cantidad de gore aceptable y un par de muertes muy chulas. También cuenta con unos villanos que francamente y con permiso de los psicópatas de Rob Zombie 31, o que coño, sin permiso, son de los mas chulos que he visto en estos los últimos años en cuanto a estética (Una pena que su carisma se limite a eso porque tampoco son Doom Head), armados con cantidad de cachivaches extraños, oxidados, pintarrajeados, llenos de cosas afiladas, cámaras y  olor a alta tasa de mortalidad.


Que nadie la enfoque como una película original o rebuscada, sería un error, simplemente disfrutad de un muy digno slasher, deudor en parte de la ochentera Inocentada Sangrienta, con ritmo y que ademas apenas le roba tiempo al espectador con tan escaso metraje.

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sábado, 31 de diciembre de 2016


SHIN GOJIRA


Título Original: Shin Gojira
Año: 2016
País: Japón
Dirección: Hideaki Anno y Shinji Higuchi
Guión: Hideaki Anno
Reparto: Hiroki Hasegawa, Satomi Ishihara, Yutaka Takenouchi, Ren Ohsugi.

Tengo sentimientos encontrados respecto a este nuevo reinicio del lagarto nipón. Que Gareth Edwards hiciese una nueva versión americana década y pico después de la de Emmerich fue todo un evento, algo que no ocurre con versiones japas del Rey de los monstruos al ser estos films tan comunes y no dilatarse en el tiempo. Pero ojo, porque allí por supuesto que ha sido un bombazo, les encanta, igual que a muchos occidentales que también nos moríamos por verla pese a volver a contarnos la historia desde un nuevo principio tal como pasaba en la original de los años cincuenta. Algo que la Toho vio cojonudo aprovechando el tirón de la versión de Edwars. Total salvo contadas excepciones Godzilla ha siempre sido lo mismo, bichos gigantes dándose de hostias. Kaiju Eiga en estado puro.


La acogida no ha sido mala y me llama la atención esto por los palos que se llevó la de 2015 al salir a juicio de muchos muy poco Godzilla. Yo como dije e su día cuando hablé sobre ella creo que sale lo suficiente pese a la escena imperdonable donde cortan la primera pelea con un Muto antes de empezar. Digamos que quisieron contar, con mayor o menor fortuna, las cosas desde otra óptica. Shin Gojira hace lo mismo pero a mayor escala, en el sentido de que apenas sale, y si ya salía poco en aquella en este todavía menos. Tanto es así que se centra durante el 90 % del metraje en los tejemenejes del gobierno y sus gabinetes de expertos, planificaciones militares,etc...


Lanzan a la palestra ese planteamiento de un modo relativamente ágil, culminando, como no, en el combate final de los humanos ejecutando el plan que se gesta y que al fin y al cabo es el propio argumento del film contra el monstruo, que se agradece cuando hasta ese momento apenas ha hecho acto de presencia mutando en tamaño en forma y arransando todo a su paso a ritmo del clásico tema  de  Akira Ifukube. Pero se resiente, el pateamiento se resiente mas al no tener esta otros kaiju con los que darse de hostias y que pese a que la única realmente genial es la primera es la esencia y lo que ha hecho grande ya no a la saga sino al género. Sumándole que la película alterna efectos geniales y siempre en la línea pijamera de la franquicia con otros inexplicablemente deplorables a día de hoy (Entendería que gracias a los putos ojos de la primera fase del monstruo mas de uno cambiase el disco del el DVD por otro, sobre todo los profanos). De ahí eso de sentimientos encontrados. Al final extraigo mas cosas buenas que malas, y unido a que el plano final me ha dejado con unas ganas terribles de saber más sobre ESO que no desvelaré yo ya estoy deseando ver la próxima, así como tambien Skull Island, la antesala al Godzilla de Edwars contra un nuevo espero mas grande y poderoso Kong. Y de verdad espero que esté en forma porque el nuevo rey de los monstruos americano no solo es mayor que su hermano nipón y menos tosco sino que lleva encima una ciclada cojonuda. Me encantaría verle haciendo un suplex como en no recuerdo ahora que entrega de las antiguas. 


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viernes, 30 de diciembre de 2016


TOP 10 2016



(Pinchar para aumentar)

Otro año, otro balance siempre personal, como siempre sin un orden especifico a excepción de la primera, dos primeras en este caso, y comentando de forma breve un poco de cada una de ellas. Si algo me jode es haber dejado en tierra de nadie Green Room, que vendría al top de cabeza, y The Hateful Eight, que siendo ambas de 2015 no pudieron verse aquí hasta 2016. 

HACKSAW RIDGE: Tras diez años ausente en las labores de dirección y sin haberse prodigado tampoco en exceso en su faceta como actor, Mel Gibson vuelve a la carga con una película bélica que se convierte automáticamente en una obra maestra, así de simple. Basada en la historia real del soldado Desmond Doss, quien bajo el incesante fuego enemigo sacó a mas de setenta soldados heridos del campo de batalla en el frente del pacifico negándose durante toda la contienda a portar un arma o arrebatar vida alguna. 
Lo que durante sus primeros compases puede parecer un producto prefabricado a conciencia para endulzar de una forma poco natural  esos tan cacareados valores de los que hace gala Desmond o el amorío con la que será su mujer pronto son olvidados y arrojados al cajón de los prejuicios. En primer lugar porque quien dirige esta película es Mel Gibson y sabes que este hombre jamás se ha bajado los pantalones, y en segundo porque tras una hora, en cuanto la primera bala es disparada Hacksaw Ridge da cuenta de lo que es la guerra mediante una suciedad y violencia malsana, una brutalidad supurante que la eleva al puesto de film bélico mas violento de la historia, hecho paradójico cuando hablemos de una película de marcado carácter anti belicista.  
Si hasta ahora el desembarco de Normandía en Salvar al soldado Ryan era con total seguridad la mejor escena jamás filmada en una película de guerra el inicio de las hostilidades en el acantilado de Maeda se la acaba de llevar por delante. Con unos Andrew Garfield, Vince Vaughn (La instrucción es un descojone) y Hugo Heaving enormes, por cierto. 

THE NEON DEMON: De esta voy a hablar poco, y si lo hago es porque en su nueva vertiente, esa que algunos encuentran tan pretenciosa, Refn me deja sin habla. Su cine simplemente me envuelve y atrapa mediante la belleza de su fotografía, sus color, ritmos electrónicos y lo estilizado de una violencia poética que poco o nada tiene que ver con el mundo real y no me permite irme hasta que termina y durante un rato me quedo ahí parado, adaptando mi cuerpo de nuevo al agujero en que vivimos. 

SUICIDE SQUAD: Con sus pifias que las tiene y gordas, vilipendiada sin razón por unos, amada por otros y colocada en un termino medio por unos pocos, la apuesta a de DC por los villanos me hizo pasármelo como pocas veces. Siempre me ha encantado David Ayer tanto en su faceta de guionista como de director  y aun agarrándole Warner a última hora por los huevos, reventándole el montaje y eliminando por completo una serie de escenas descritas en internet y que pintaban genial ha parido una película injustamente tratada y que se caga y mea sobre la mayoría de películas del género. Mierdolos tipo Thor que nadie se explica como han logrado tener secuela y tal. Que El Diablo os prenda fuego, cabrones...

BLOOD FATHER: Es una autentica gozada no tener que decir que el film se ve a mayor gloria de su protagonista, y que estamos ante todo delante de una buena película que es hora y media de permanecer con la vista fija en la pantalla desde el minuto uno. Claro que el hecho de tener ahí a este hombre, que tanto le ha dado al cine delante y detrás de la cámara, la hace mucho mejor si cabe. Empiezas a verla, tienes una escena que ya te muestra que no estamos ante una de esas remilgadas películas de acción actual para la chavalada como las mil y una brozas clónicas del bueno de Liam Neeson. Aquí se le echan los huevos de antaño a la hora de enseñar plomo con estilo old school. Pocos minutos después un Mel Gibson tatuado y todo braco, comiéndose alguna bafozia para cenar en las escaleras de su destartalada caravana termina de confirmar las sospechas sobre que esperar. Queremos mas Mel Gibson, queremos mas roles de tipo duro que abre cabezas al tiempo que vomita socarronería, un Porter de Payback, un Martin Riggs de Arma Letal, acción como la de antaño, algo fácil de decir pero difícil de hacer cuando muy pocas recibieron el valor que merecían ya en sus años dorados.

31: Mas o menos por la época en que se estrenó su anterior trabajo, Lords of Salem, había llegado info sobre que Robbie Z planeaba llevar a cabo un remake de The Blob, que vendría siendo realmente un remake de otro remake, siendo la de los ochenta muy superior pese a la ausencia de un actor del calibre de Steve Mcqueen. Y joder, seamos serios, no queríamos ver eso, porque la anterior está de reputísima madre como está y porque lo que queremos es mas cine con su sello y por supuesto fresco, aunque repita formulas.  Muchas vicisitudes han ido asomando sus tentáculos a lo largo del polvoriento camino durante la gestación de 31. En un principio de tiró de crowdfunding, y aunque el dinero poco a poco iba llegando de aquí y allá estaba claro que esta sería una película por así decirlo mas pequeña que las anteriores. El caso es que entre sus bocetos iniciales y su premisa, que no es otra que la de Running Man de Schwarzennegger pero sustituyendo el marco de ciencia ficción en un futuro distópico por el terror setentero , sus incondicionales nos moríamos por verla.

THE AUTOPSY OF JANE DOE: un producto muy bien facturado que atrapa desde el minuto uno, antes tan siquiera de saber sobre que trata si te pilla por sorpresa. Fenomenalmente filma algo que pudiendo caer en la cerdez propia de lo que implican cuerpos abiertos en canal y corazones en balanzas el sueco logra ser sutil en la utilización de los elementos propios sin caer en perversiones, incluyendo el desnudo integral del perfecto cuerpo que durante hora y media se encuentra postrado tan quieto como solo los muertos saben estar.  Una de las mejores películas de terror del año, y desde luego enfocada en el ámbito sobrenatural se pasa al resto por el forro de los cojones.

TRAIN TO BUSAN: Dos horas de pura agilidad cinematográfica que pasan tan rápido como un tren de alta velocidad, con intensidad, inteligencia, corazón y voluntad. ¿Recordáis Guerra Mundial Z? ¿Aquella bazofia de adaptación del libro de Max Brooks y peor película que trataba en esencia sobre bolas de zombies generados por cgi que se unían a bolas de zombies mayores y rodaban asta convertirse en una bola de mierda tan grande como la propia Tierra? Pues podría decirse que Train To Busan es Guerra Mundial Z pero en buena no, en excelente.  Una de las mejores películas de terror del año sin lugar a duda. Y que me hace replantearme mi idea sobre si es o no hora de volver a enterrar el sobreexplotado género y dejarlo descansar unos años como se hizo en su día. Sobre todo después de tanto cine zombie basura, de tanta literatura zombie basura y de tanto zombie desvirtuado en general, porque pese a que los infectados no son zombies una cosa es inherente a la otra. Porque es lo que pienso la mayoría del tiempo, y entonces pasa un tren y te cambia la percepción.

EL CONTABLE: Un thriller de acción con todos los elementos que debe tener, bien medidos aunque tal vez algo previsible en los giros finales y un reparto muy bueno. Poco que decir mucho que disfrutar. Del director de la magistral Warrior.

DEADPOOL: No soy fan del personaje aun habiéndome leído más que la mayoría de supuestos seguidores del mercenario bocazas. Hace años me flipaba lo que hizo Joe Kelly, aborreciendo horrores hoy en día esa su etapa mas laureada. También acabo de dejar de comprar su serie mensual en grapa gracias a la inutilidad que pulula últimamente entre los talentos de Marvel y en fin, eso, que sin ser fan del personaje pero tampoco detestándolo ni mucho menos me divertí como un cabrón. Ni me importan los cambios ni pollas. Entretiene, posee personalidad, meten algo de brutalidad (Tampoco mucha para lo que se venia diciendo) e introduce a un Coloso que al contrario que el de la saga X-Men no produce vergüenza ajena sino mas bien todo lo contrario.

THE HOLLOW POINT: Western contemporáneo ambientado en un pueblo fronterizo entre Texas y México, con sheriffs crepusculares, delincuentes con grasa baño las uñas, carteles de la droga y los sicarios de estos. Bien filmada por Gonzalo López-Gallego el guión de Nils Lyew no olvida un solo ingrediente antes de echar el potaje a cocer y presentar un western moderno polvoriento, sin concesiones ni justificaciones y con momentos de acción comedidos en cuanto a su peso pero vibrantes desde su primer estallido (El encuentro entre los personajes de Wilson y Leguizamo es implagable)  hasta un cierre aderezado por las palmas, los acordes de guitarra y la veterana voz ya rasgada del God's gonna cut you down de Johnny Cash.


jueves, 22 de diciembre de 2016


LA AUTOPSIA DE JANE DOE


Título Original: The Autopsy Of Jane Doe
Año: 2016
País: Reino Unido
Dirección: André Ovredal
Guión: Ian B. Goldberg y Richard Naing
Reparto: Brian Cox, Emile Hirsch, Olwen Catherine Kelly, Ophelia Lovibond.

Habemus por fin nueva película de André Ovredral, director sueco del que ademas de no saber poner en el teclado correctamente la O de su nombre me dejó fascinado hace unos años con una película fantástica llamada Troll Hunter que mezclaba folclore regional con el tan de moda por aquel momento mockmuntary logrado unos resultados mas que notables. 


Desplazándose a Reino Unido y limitándose esta vez solo a las labores de dirección entrega el film de terror sobrenatural del año (Me descojo de Expediente Warren II, a la mierda el cine clónico de fantasmas CGI fabricados a molde).
Me acerqué al film debido a una mezcla entre aburrimiento máximo y mi simpatía por Brian Cox, un señor que solo hace subir enteros a aquel proyecto en el que se vea inmerso. Pivotando la trama en torno a la autopsia de una joven sin aparentes signos de violencia en su muerte pero literalmente reventada internamente, todo esto en un solo escenario como es el lugar de trabajo de Tommy Tilden y su hijo Austin, se necesitaba un actor capaz de embriagar con su presencia sin desmerecer el trabajo de Emile Hirsch, el cabronazo de Alpha Dog o Los Amos de Dogtown que apenas sobrepasando la treintena ya tiene mas camino andado que muchos.


Como mucho saben y tal vez otros no John/Jane Doe se trata de la denominación para poder referirse a alguien de quien no se tiene idea alguna acerca de su identidad. Aquí Jane Doe no es un simple cadáver, es una protagonista mas de la trama junto a los antes mencionados, y para ello no le hace moverse de la fría plancha metálica mientras los cada vez mas sufridos Tilden tratan de resolver el misterio que se oculta tras la carne del cuerpo que les ha llegado.


Ovredal ofrece un producto muy bien facturado que atrapa desde el minuto uno, antes tan siquiera de saber sobre que trata si te pilla por sorpresa. Fenomenalmente filma algo que pudiendo caer en la cerdez propia de lo que implican cuerpos abiertos en canal y corazones en balanzas el sueco logra ser sutil en la utilización de los elementos propios sin caer en perversiones, incluyendo el desnudo integral del perfecto cuerpo que durante hora y media se encuentra postrado tan quieto como solo los muertos saben estar. 
Una de las mejores películas de terror del año, y desde luego enfocada en el ámbito sobrenatural se pasa al resto por el forro de los cojones.


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